Национальный музей дизайна Купер-Хьюитт Нью-Йорк
Шрифт:
Эжен Самуэль Грассе — французский и швейцарский художник, скульптор, график и иллюстратор, яркий представитель стиля модерн. Грассе получил архитектурное образование в Цюрихе в 1861–1863. В 1871 он переехал в Париж, где увлекся эстетикой французского ар-нуво, а также открыл для себя японское искусство. Как преданный последователь идеалов модерна, Грассе проявил себя в самых разных областях творчества. Он был архитектором, живописцем и иллюстратором, выкладывал мозаику и собственноручно изготавливал скульптуру и рельефы для фасадов зданий, разрабатывал эскизы для производителей мебели и гобеленов, ювелирных украшений, плакатов, афиш и почтовых марок. С 1890 и вплоть до своей
Перед зрителем — рисунок гребня изящной удлиненной волнистой формы, в верхней части украшенного композицией из золота и эмали, изображающей выныривающую из волн обнаженную нимфу.
Этот крепкий дубовый, стилизованный под Средневековье стул с высокой спинкой и кожаными подушками с кистями выполнен американским дизайнером-краснодеревщиком Чарльзом Рольфсом. Он родился в Бруклине в семье эмигранта-мебельщика из Германии и получил в Нью-Йорке образование дизайнера. Рольфе был на редкость разносторонней личностью, и поначалу сфера его занятий была самой широкой — от изготовления чугунных печей и моделей для литья до работы актером в шекспировских пьесах. Ремеслом мебельщика Рольфе увлекся, когда убедился, что не может найти в магазинах ничего подходящего для обновления интерьера собственного дома в Буффало. Его верным помощником и соавтором многих работ была жена — автор детективных романов, поставлявшая идеи для мебельных форм и орнаментов. Когда соседи, восхищенные мебелью Рольфсов, стали просить сделать что-то и для них, Чарльз открыл мастерскую. Для его изделий характерны строгие и изящные линии, сочетание резного дуба, металла и кожи, ремесленной рукодельной добротности и утонченного эстетства, смелое смешение стилей — от средневековых и ренессансных мотивов до азиатских влияний и современного ему ар-нуво.
Дизайнерское творчество Рольфса охватывает около десятка лет, в течение которых он создал несколько сотен вещей. Рольфе предпочитал работать с дубом — материалом отнюдь не легким для резьбы, но очень фактурным, вдохновлявшим его на необычные декоративные решения. «Посмотри на следы бури и затишья, зефира и бриза в натуральном дереве: ты увидишь, что дерево — это запись их музыки», — писал мастер. Его вещи экспонировались на выставках, в том числе на Международной экспозиции современного декоративного искусства в Турине в 1902, и высоко ценились критиками. Это была именно художественная мебель — слишком сложная в изготовлении и изысканная по форме, чтобы иметь массовый спрос. В 1907, когда в Америке разразилась биржевая паника и начался кризис, мастерскую пришлось закрыть, Рольфе переключился на социально-политическую деятельность. Однако в истории он остался именно художником-мебельщиком, создателем уникальных по форме элегантных столов, стульев, светильников и интерьеров.
Представленное бюро было выполнено в мастерских известного итальянского производителя мебели рубежа XIX–XX веков — Карло Дзена, владельца крупнейшей в Милане фабрики, славившейся изысканностью и качеством продукции. Будучи профессиональным краснодеревщиком, в своем производстве мастер использовал самые дорогие породы дерева, а также ручную работу — резьбу, инкрустацию металлом, перламутром, латунью, листовым золотом, превращая предметы бытовой среды в высокие образцы художественного творчества в соответствии с программными идеалами модерна. Мебель фирмы «Дзен» представляла характерное для Италии его флореальное направление. Наряду с Карло Бугатти Дзен считался крупнейшим представителем либерти — национального варианта стиля модерн.
Изделия фабрики регулярно выставлялись на национальных, региональных и международных выставках, в том числе на Международной выставке декоративного искусства 1902 в Турине.
Тонкие изогнутые, раздваивающиеся книзу и сливающиеся с подставкой ножки напоминают лапки насекомых, по боковине бежит изящный и хрупкий, подобный легкому росчерку, флореальный рисунок, напоминающий знаменитый мотив «удар бича» Германа Обриста, ставший своеобразным международным фирменным знаком стиля модерн.
< image l:href="#"/>Представленный кувшин органической формы с широким горлом, стилизованным под большой лист, и ручкой, напоминающей изогнутый стебель, выполнен на заводе Жолнаи в период процветания эстетики стиля модерн. Фабрика Жолнаи — старейшее венгерское производство по изготовлению керамики и фаянса. Она была основана в городке Печ в 1853 Миклошем Жолнаи и его сыном Игнацем как маленькое семейное предприятие и лишь после вступления в дело в качестве управляющего младшего сына Миклоша, Вильмоша, стала стремительно развиваться. На заводе начались эксперименты с новыми высокотемпературными способами обжига и приемами окраски. Изучая опыт средневековых керамических и майоликовых мастерских итальянского города Губбио, применяя и комбинируя различные составы глин в качестве сырья, Вильмош смог создать особый вид редукционной глазури — эозиновую, которая после обжига в печи дает сочный цвет с ярким металлическим отблеском. В зависимости от используемого температурного режима, химического состава и толщины глазури-основы окончательный декоративный эффект может быть чрезвычайно разнообразным. В первых серийных изделиях жолнайские мастера использовали багрянокрасные оттенки, но позднее фарфоровые изделия начали окрашивать в золотисто-зеленоватый цвет с бронзовым отливом, который стал визитной карточкой керамики Жолнаи.
Работы завода получили признание в 1873 на Всемирной выставке в Вене, за которым последовала золотая медаль на Всемирной выставке в Париже 1878 и персональный крест Почетного легиона Вильмошу от французского правительства за изобретение эозиновой глазури. Далее — орден венгерского императора Франца Иосифа и звание Почетного гражданина города Печ. К концу XIX столетия изделия мануфактуры Жолнаи пользовались огромным успехом как в Австро-Венгрии, так и за рубежом.
После смерти Вильмоша в 1900 фабрика продолжала славные традиции высококачественного керамического производства, успешно работая в стиле модерн. В 1948 завод был национализирован и переименован в фарфоровый завод в Пече, став частью государственного конгломерата по производству керамической продукции.
На представленном принте — образец рисунка обоев, которые выпускала фирма «Джефри и Ко» в начале XX века. Изображена детская игра «Апельсины и лимоны», каждый ее кон длится до тех пор, пока звучит куплет старинной английской песенки. В центре композиции — два дерева, апельсиновое и лимонное, с налитыми плодами на ветвях, по свободному полю разбросаны цветущие маргаритки. Дети в разноцветных одеждах образовали хоровод, старшие мальчик и девочка в центре берутся за руки на фоне сплетающихся ветвей деревьев. Дизайн принта характерен для стиля компании «Джеффри и Ко», всегда сочетавшего структурную ясность со сложными смыслами символизма и сохранявшего тесную связь с лучшими образцами современного искусства.
Компания по производству обоев машинной и ручной печати «Джеффри и Ко» была основана в 1836. В начале 1860-х она стала младшим партнером фирмы «Метфорд Уорнер», а с 1869 Уорнер, будучи единственным владельцем и руководителем «Джеффри и Ко», добился положения одного из ведущих производителей обоев в мире. Продукция «Джеффри и Ко» всегда соответствовала самым высоким стандартам качества, однако главной особенностью компании была установка на высокий уровень дизайна выпускаемых изделий, что позволяло ей не только входить в число самых успешных производителей, но и оказывать определяющее влияние на целые поколения дизайнеров. В соответствии с идеалами теоретиков эпохи модерна, что в искусстве нет прикладных сфер и главная его цель — создание высокохудожественной среды, окружающей человека, Уорнер активно привлекал для сотрудничества лучших дизайнеров, художников и архитекторов своего времени. Особую известность фирме принесло многолетнее сотрудничество с ведущим художником и идеологом модерна Уильямом Моррисом, по рисункам которого «Джеффри и Ко» выпустила целую серию обоев, являющихся образцами изделий ар-нуво и воспроизводимых по сей день.
Автор представленного эскиза — знаменитый французский архитектор, скульптор, дизайнер, яркий представитель стиля модерн Гектор Гимар. В конце XIX века и до Первой мировой войны он был одним из самых популярных французских декораторов, его стиль восходит к образцам флореального модерна бельгийской школы и, прежде всего, к искусству Виктора Орта. Для собственной манеры художника, известной как «стиль Гимар», был характерен акцент на тонком, асимметричном рисунке, соединившем в себе влияния неоготики, рококо, японского искусства, а также увлечение художественной ковкой и стеклом. Творческая амплитуда мастера чрезвычайно широка, модный архитектор, он прославился новаторским оформлением станций парижского метрополитена и редким по тонкости декором мебели, светильников и всевозможных предметов интерьерного убранства, воплощая собой программную мечту модерна о синтезе искусств и художнике-универсале.