Веселые человечки: культурные герои советского детства
Шрифт:
Если Масяня — современная версия Чебурашки, то эта версия далеко не самая привлекательная, но, как убедительно показала Петровская, героиня вызывает сочувствие и сострадание из-за своих разочарований и неудач. Масяня демонстрирует небывалую искренность посредством своих нарочитых публичных «перформансов», отображающих разные стороны жизни в постсоветской России. В самом деле, весь мультсериал про Масяню состоит из ряда попыток реализовать ее идеи — и все эти попытки неизбежно терпят крах: «…все вожделения Масяни обречены на нереализованность, поскольку они фундированы изначальным комплексом пораженчества…» [693] . Масяня хочет жить в реальном мире, но на самом деле поневоле остается во власти своего виртуального мира — Интернета. Она так никогда и не переходит эту границу, и это дает нам право говорить о несовместимости виртуального и реального миров. Созданная минимальными средствами — с помощью простых рисунков, обычных красок, коротких
693
Голынко-Вольфсон Д. Цит. соч. С. 102.
И Масяня, и Чебурашка извлекают максимум возможностей из своей роли аутсайдера. Они с самого начала идут против социальных конвенций: Масяня — своим образом жизни, отсутствием образования и работы, своим языком, деиндивидуализированностью своего облика; Чебурашка — неизвестным происхождением, бездомностью, отсутствием документов. И все же они пытаются подстроиться к окружающим условиям: тогда как попытки Масяни проваливаются, Чебурашка в общем и целом достигает успеха — записывается в школу, вступает в пионеры, уезжает в отпуск. Однако оба они — жертвы (априори изгнанные из общества), вынужденные бездействовать и подчиняться законам, что делает их типичными выразителями описанного Львом Гудковым российского комплекса жертвы. Гудков утверждает, что комплекс жертвы симптоматичен для постсоветской России в большей степени, чем для советской эпохи, и связывает это с отсутствием ответственности советского человека за свои поступки: «Комплекс жертвы <…> — это перверсия частной инициативы» [694] .
694
Гудков Л. Цит. соч. С. 108.
И Чебурашка, и Масяня выигрывают от навязанной им роли (приобретая опыт, друзей). Им нравится бороться с чем-то другим, хотя это «другое» в данном случае относится к мейнстриму — в случае с Чебурашкой это советский коллектив, в случае с Масяней — общество потребления. Кроме того, оба персонажа пассивны — они проявляют себя и играют, чтобы создать видимость реального действия и вовлеченности. Следовательно, если рассматривать Масяню как «продолжение» Чебурашки, то можно провести параллели между обществами и эпохами, в которые они были созданы: в сериале про Чебурашку и Крокодила Гену эпоха «застоя» оформляется такими мотивами, как социальное отчуждение героев и их уход в игру, тогда как в мини-фильмах о Масяне постсоветская эпоха наделяется сходными чертами. Однако здесь социальное одиночество героев определяется иными, чем в «застойную» эпоху, причинами — не столько политическими, сколько экономическими.
Перевод А. Плисецкой
Summary
Sergei Ushakin’s introductory article provides an overview of the culture of «Soviet childhood,» situating «merry little heroes» in a broader social and cultural context. The characters discussed in the collection were distinctly liminal in relation to mainstream culture, yet it was precisely their liminal position that explained their cult status and made them play a crucial role in Soviet culture. Drawing on Lacanian distinctions between the symbolic, the imaginary, and the real, Ushakin argues that these characters compensated Soviet audiences for the disintegration of the Soviet symbolic by enhancing the imaginary, while simultaneously evoking the traumatic real and helping to control the fear. Thus, the liminal position of «merry little heroes» reflected the interim and ambivalent character of late Soviet culture, characterized by elusive meanings, non-working taxonomies, and blurred perspectives.
Konstantin Bogdanov’s «’The Most Human Little Man’: Volodya Ulyanov» discusses transformations of the image of young Lenin, which became a central figure in Soviet propaganda of children’s culture during the 1920s and 1930s, and retained its prominence until the 1960s. In Soviet mythology, baby Lenin, as a playful and adventurous child, stood in opposition to Stalin, a symbolic father whose childhood, by order of Stalin the man, remained forbidden for representation. The article analyses the technology involved in the production of the young Lenin by examining ideologically motivated editing imposed on all memoirs about him beginning in the 1920s.
Kevin Platt’s «Drs. Dolittle & Aibolit Visit the Trauma Ward» examines Korney Chukovsky’s tales about Doctor Aibolit (Doctor Ouchithurts) through the lens of trauma theory. Starting with Chukovsky’s creative adaptation of Hugh Lofting’s stories about Dr. Dolittle, which reflected their author’s traumatic experience in WWI, Platt continues by placing the main corpus of Chukovsky’s work in the context of social violence of the 1920s and 1930s. He also considers the death of Chukovsky’s daughter as an influential factor in his creative process. Platt concludes by discussing Chukovsky’s little-known tale
Mark Lipovetsky’s «Buratino: Utopia of a Free Marionette» discusses the ideological meaning of Buratino in Alexey Tolstoy’s Zolotoi kliuchik (The Golden Key). Combining the study of archival materials with a close reading of Tolstoy’s text, Lipovetsky argues that Buratino is not just a paradigmatic trickster but also a manifestation of Tolstoy’s utopia of freeplay in the context of rigid ideological limits. Alexander Prokhorov’s «Three Buratinos: Evolution of a Soviet Film Hero» treats Buratino as an archetype in Soviet culture. Discussing Alexander Ptushko’s film The Golden Key (1939), Dmitrii Babichenko’s and Ivan Ivanov-Vano’s film The Adventures of Buratino (1959), and Leonid Nechaev’s television feature The Adventures of Buratino (1975), Prokhorov argues that the changes in the portrayal of Buratino represented the evolution of values in Soviet culture. Explaining the post1Soviet failure to follow Soviet culture by generating its own cinematic version of Buratino, Prokhorov points to the rupture in the cultural tradition that occurred during the late-Soviet period.
Anne Nesbet’s «In Borrowed Balloons: The Wizard of Oz and the History of Soviet Aviation» places the Russian translation of L. Frank Baum’s The Wizard of Oz (1900) into the context of Soviet culture. In 1939, Aleksandr Melent’evich Volkov, a professor of metallurgy, translated Baum’s book into Russian, although the translation was described as a «reworking,» and as time passed, Baum’s role in the creation of the story was progressively minimized. Volkov’s Wizard of the Emerald City became a great hit, and at the end of the 1950s he produced a substantially revised edition of his fairytale, followed by a number of sequels; the popularity of his books has lasted into the post-Soviet era. At the same time as he was translating The Wizard of Oz, Volkov wrote yet another novel for children with «ballooning» as a central theme, The Wonderful Sphere, based on the historically dubious claim that a Russian man in Riazan in 1731 had actually been the world’s first balloonist, fifty-two years before the Montgolfier brothers. Published in 1940, Volkov’s novel was a prescient forerunner of the campaign for «Russian priority» in all technical areas, a campaign that became official policy in the late 1940s. A.M. Volkov thus had a hand in two appropriations at once: he turned an American fairyland into a beloved series of Soviet children’s books, and he was one of the earliest popularizers of the claim that Russia, not France, was truly the «motherland of aviation.»
Natalia Smolyarova’s «Winnie-the-Pooh: An Adult Book for Children» compares the Russian version of «Winnie-the-Pooh» written by Boris Zakhoder to the original by A.A. Milne. Zakhoder’s rendition of the classic is remarkable for the combination of his thorough effort at translation and his distinctively individual narrative style. Unlike Milne’s original intended for the adults, Zakhoder’s translation was aimed at children and has become a cult text of Russian children’s culture since its publication in the 1960s. As part of his translation project, Zakhoder wrote original poems and invented new words and phrases, which remain in the language of Russian children today. While treating the original in creative ways, Zakhoder retained its intricate structure, preserving Milne’s distinct styles corresponding to the three contexts of narrative events — Christopher-Robin and his toys in the nursery, little animals in a forest, and father and son at bed1time. Smolyarova also traces the history of illustration of the tales made by E. Shepard in England and A. Poret in Russia, and also examines the toy prototypes of Milne’s main characters.
Yuri Leving’s «„There Must be Somebody There…“: Winnie-the-Pooh and the New Animation Aesthetics», discusses the Russian cartoon version of A.A. Milne’s classic stories, arguing that the work of Fyodor Khitruk’s team between 1969 and 1972 testifies to aesthetic and ideological shifts that took place in Soviet animation during the post-Khrushchev era.
Maria Mayofis’s «Sweet, Sweet Trickster: Carlson and the Soviet Utopia of ‘Real Childhood’» explores the history of Soviet cultural perceptions of Carlson, the protagonist of a trilogy by Astrid Lindgren. The author examines Soviet reviews of Lindgren’s books as well as theatre performances based on its plot in order to demonstrate that the character of Carlson was transformed into a metaphor of individual freedom and social nonconformity. Furthermore, the two-part cartoon version (1968, 1970) of Lindgren’s texts interpreted Carlson as an embodiment of theatricality and turned the narrative into a form of reflection on Soviet culture of the 1960s.