Государственный Эрмитаж (16 открыток)
Шрифт:
Итальянская школа
Кающаяся Мария Магдалина.
1560-е годы
Холст, масло. 118Х 97
Государственный Эрмитаж
Тициан — мастер, принадлежавший к венецианской школе живописи, которая в середине XVI века заняла ведущее место в Италии, — первый в западноевропейском искусстве колорист во всей полноте этого понятия. В его картинах доминирует живописное начало: он строит форму не линией или светотенью, а цветом; и пространство — не сопоставлением объемов, а соотношением тонов. Центральное место в обширном наследии Тициана занимают мифологические и аллегорические композиции, принесшие художнику наибольшую славу выраженным в них полнокровным ощущением бытия, жизненной достоверностью. К образу Марии Магдалины Тициан обращался неоднократно. Эрмитажная картина создана им в поздний период творчества, когда его мастерство достигло предельной виртуозности. Сюжет картины взят из христианской мифологии: Мария Магдалина — блудница, которая раскаялась в прегрешениях
РОГИР ВАН ДЕР ВЕЙДЕН (около 1400 — 1464)
Нидерландская школа
Святой Лука, рисующий мадонну.
Около 1435 — 1440
Холст, масло, переведена с дерева. 102 X 108,5
Государственный Эрмитаж
Рогир ван дер Вейден — один из основоположников искусства Северной Европы эпохи Ренессанса, автор композиций на евангельские темы и портретов. Его творчество пронизывает активный интерес к миру реальных человеческих чувств и окружающей человека действительности. «Святой Лука» — одна из первых в европейском искусстве композиций на тему «художник и его модель». Сюжет картины восходит к апокрифу VI века, согласно которому Лука, автор одного из четырех евангелий, написал первый портрет Богоматери и младенца Христа. В позднее средневековье и в эпоху Возрождения св. Лука считался покровителем художников. Его изображения в виде живописца появились в западноевропейском искусстве в XIV веке. На картине Рогира обращает на себя внимание яркая портретная характеристика Луки, что породило гипотезу об автопортретности этого образа, которая, впрочем, не была подтверждена неоспоримыми аргументами. Важное место в картине занимает пейзаж — вид на город, расположенный на берегу реки. Несмотря на то, что пейзаж у Рогира, как правило, всего лишь фон и не играет роли в действии, в этой картине проявился ряд особенностей, характерных для ренессансного пейзажа Нидерландов. Это не маленький фрагмент окружающего мира, а далеко простирающееся пространство, словно символизирующее всю землю, проникнутое ощущением логичности и закономерности всего сущего. Очень подробно прорисованы детали: даже конструкция каждого дома и особенности каменной кладки. Как остроумно отметил один из исследователей, единственное, что удерживает художника от дальнейшей детализации, — предел восприятия человеческого глаза.
Немецкая школа
Женский портрет. 1526
Дерево, масло. 88,5 х 58,6
Государственный Эрмитаж
Большую часть жизни Лукас Кранах Старший — один из ведущих художников немецкого Ренессанса — провел в столице Саксонии городе Виттенберге, ставшем в эпоху Реформации идеологическим центром Германии (именно здесь развернул свою деятельность Мартин Лютер). Творческие интересы и устремления художника были необычайно разнообразны. Среди его многочисленных живописных и графических произведений — композиции на античные и библейско-евангельские темы, аллегории и жанрово-назидательные сценки, изображения охот, портреты, сатирические гравюры, высмеивающие католическую церковь. Для созданной Крана-хом на протяжении 1510 — 1520-х годов портретной галереи деятелей Реформации и саксонской аристократии характерны индивидуализация образов, отчетливая реалистическая тенденция. В портретах, написанных позднее, после поражения народно-демократического движения в Германии, выходят на первый план эстетические идеалы придворного искусства — красота и благородство облика моделей подчас оборачиваются красивостью, изысканность исполнения — самодовлеющей изощренностью мастерства. В «Женском портрете», относящемся к последним годам расцвета кранаховского искусства, художник воплотил свой идеал женской красоты — не случайно это же лицо встречается в ряде его сюжетных композиций. В основе созданного живописцем образа — портретные черты двух женщин: принцессы Сивиллы Киевской и Катарины фон Бора, жены Лютера. В фантастическом пейзаже с замком на заднем плане отчетливо слышны отголоски готического искусства. Виртуозно написана одежда кранаховской красавицы: прекрасно переданы фактура и рисунок тканей, подробно, до мельчайших деталей показаны все украшения. Но подчеркнуто великолепный антураж в этой картине, в отличие от более поздних произведений Кранаха, не затмевает образ портретируемой.
Фламандская школа
Пейзаж с возчиками камней.
Около 1620
Холст, масло, переведена с дерева. 87 X 129
Государственный Эрмитаж
Фламандской школе живописи XV11 века присущи подчеркнутый интерес к многообразию окружающего мира, к активным проявлениям эмоциональной жизни человека. Глава школы — Рубенс по глубине и универсальности своих знаний, многогранности дарования сопоставим с величайшими мастерами Возрождения. Его талант проявился не только в различных областях изобразительного искусства: он добился больших успехов на дипломатическом поприще, его эпистолярное наследие считается значительным явлением в истории нидерландской литературы. Один из создателей стиля барокко в живописи, Рубенс оказал сильное влияние на фламандское искусство своего времени. Для его картин характерны динамика и драматизм, монументальность форм, осмысление первооснов бытия в философских категориях. Главная тема «Пейзажа с возчиками камней» — стихия и люди, противоборство человека с необузданными силами природы. Ощущение драматической схватки чувствуется во всем образном строе картины; пастозные мазки подчеркивают напряженность действия. Показывая не конкретный мотив, а обобщенный образ природы, Рубенс продолжает традиции нидерландского
Фламандская школа
Семейный портрет.
Между 1618 — 1621
Холст, масло. 113,5Х 93,5
Государственный Эрмитаж
Ван Дейк отдал немало времени и сил композициям на темы античной и христианской мифологии, но вошел в историю искусства и приобрел всеевропейскую прижизненную славу как портретист. Детство и юные годы художника прошли в Антверпене, где он около пяти лет работал в мастерской Рубенса. Затем последовала длительная поездка в Италию, а свой жизненный путь Ван Дейк завершил в Лондоне придворным живописцем Карла I Стюарта. Его десятилетнее пребывание в Англии оказало сильное влияние на развитие английской портретной живописи XVII и даже XVIII века.
В отличие от парадных аристократических портретов Ван Дейка с присущим им возвеличиванием моделей, в «Семейном портрете» отчетливо проявились новаторские реалистические тенденции творчества художника. Созданные им образы правдивы и естественны, художник не стремится показать портретируемых такими, какими ему хотелось бы их видеть (что делал, например, Рубенс, привносивший в портреты элемент некоторой идеализации и героизации). Основное внимание живописца сконцентрировано на спокойном безмятежном лице женщины и бледном, несколько болезненном, с заострившимися чертами лице мужчины, его пристальном сосредоточенном взгляде. Выразительны руки портретируемых, во многом дополняющие психологическую характеристику и усиливающие ее остроту: в них выявлена и подчеркнута несхожесть характеров вандейковских моделей. Портрет исполнен с большим мастерством: фактура холста, разнообразные по форме мазки, сдержанный лаконичный колорит — вся виртуозная живописная техника ориентирована на создание единой психологической атмосферы, на передачу ощущения, возникшего у художника при встрече с подлинными живыми людьми.
Голландская школа
Давид и Ионафан. 1642
Дерево, масло. 73 X 61,5
Государственный Эрмитаж
Жанровый диапазон творчества величайшего мастера голландской живописи XVII века Рембрандта очень широк: его в равной мере привлекали портрет, пейзаж, композиции на античные, библейские, евангельские сюжеты. К какой бы теме ни обращался художник, главным содержанием его искусства был человек с обуревающими его страстями. По глубине понимания внутренней жизни человека с Рембрандтом не сопоставим ни один из его предшественников и современников.
Написанная мастером в расцвете творческих сил картина «Давид и Ионафан» основана на библейской легенде. Сын бедного пастуха Давид, победивший великана Голиафа, стал оруженосцем иудейского царя Саула, но вскоре возбудил его зависть своими военными успехами и был вынужден бежать, чтобы спасти свою жизнь. На картине запечатлен момент прощания Давида с его лучшим другом Ионафаном, сыном царя Саула. Рембрандт показывает, сколь несхоже переживают герои боль предстоящей разлуки. Старший из них Ионафан сохраняет присутствие духа, хотя его скорбь, быть может, сильнее и глубже. Чувства Давида проявляются более открыто: словно придавленный тяжестью охвативших его эмоций, он приник в порыве к груди друга. Колорит картины, построенный на сопоставлении тончайших золотистых, розоватых, нежно-голубых и зеленоватых цветовых оттенков, подчеркивает волнение, охватившее героев. «Давид и Ионафан» — первая картина Рембрандта, появившаяся в России, и одна из первых картин эрмитажного собрания: она была приобретена для Петра I в 1716 году.
Голландская школа
Натюрморт
Холст, масло. 105 X 87,5
Государственный Эрмитаж
Натюрморт как самостоятельный жанр сложился к концу XVI века и в XVII веке получил широкое распространение в искусстве Западной Европы, в особенности — Голландии. Бурное развитие голландского натюрморта привело к тому, что уже к середине столетия этот жанр разделился на своего рода тематические «поджанры»: изображения цветов и фруктов, рыбных лавок, битой дичи и т. д., что породило соответствующую узкую специализацию художников. В выборе предметов для натюрморта, его композиции, трактовке форм и фактур, колорите отражались как личные пристрастия самих живописцев, так и менявшиеся вкусы зрителей и идеалы времени.
Биллем Кальф, жизнь и творчество которого прошли в Амстердаме, принадлежит к числу самых крупных мастеров голландского классического натюрморта, а картина из эрмитажной коллекции является признанным шедевром живописца. Натюрморт Кальфа относится к разряду «завтраков», включавших изображения какого-либо одного блюда (как правило, паштета или сыра), фруктов, среди которых присутствовал непременный лимон со срезанной кожурой, сосудов с вином. Художник мастерски передает фактуру каждого предмета: бокала, фаянсовой расписной тарелки, позолоченного кубка, восточного ковра, белоснежной салфетки. В картине ощущается сильное воздействие, которое оказала на Кальфа живопись Рембрандта: предметы показаны на темном фоне, яркий свет как бы оживляет их, обволакивая теплом золотистых лучей. Мотивами и красочным великолепием натюрморты, подобные кальфовскому, аппелировали ко вкусам разбогатевших голландских буржуа, их тяге к роскоши.