Шедевры европейских художников
Шрифт:
Ян Вермер (1632–1675)
Мастерская художника (аллегория живописи)
Ок. 1667. Музей истории искусств, Вена
Выдающийся голландский живописец Ян Вермер родился в Делфте (отсюда его прозвище Делфтский). Как художник он быстро добился успеха и признания: в 21 год был принят в гильдию Св. Луки – главного городского объединения художников, а в 30 лет возглавил ее. До нас дошло немногим более 30 картин Вермера – по свидетельствам современников, работал он медленно, «двадцать раз переделывал часть картины», добиваясь совершенства, при этом ценил
Обращенный спиной к зрителю художник, одетый в старинный костюм, пишет портрет девушки в мантии в лавровом венке. В ее руках аллегорические атрибуты – книга и горн, что вкупе с картой Голландии на стене дало повод считать эту женскую фигуру изображением музы истории Клио.
Кружевница
1664. Лувр, Париж
Вермер писал жанровые полотна малых форм с небольшим числом действующих лиц. «Кружевница» – самая маленькая картина художника. Считается, что здесь он изобразил кого-то из своих домочадцев. Картина написана с близкого расстояния, и, чтобы сконцентрировать внимание зрителя на фигуре девушки, Вермер немного расплывчато пишет более близкие предметы – синюю подушку для вышивания, красные и белые нити.
«Линия правды» в искусстве Вермера неотделима от «линии красоты», в его исполнении даже обыденная сцена наполнена поэзией и мирным течением жизни. Огромную роль в реализации живописного замысла играет магия света и богатый колорит, с помощью которых художник создает на холсте необычайную драгоценную субстанцию, сотканную из тончайших переплетений света и цвета. Свет проникает в частицы красочного пигмента, озаряя их изнутри и содействуя впечатлению светозарности, которое оставляют полотна мастера.
Девушка с жемчужной сережкой
1664–1665. Королевский кабинет картин, Гаага
Картины Вермера неизменно поражают совершенством цветовой гармонии, классической чистотой и ясностью образов. Художник виртуозен в передаче различных фактур: тканей, теплой кожи, блестящей жемчужины. Каждая деталь его полотен написана мельчайшими выпуклыми точечками краски, что делает предметы ощутимо осязаемыми. Умение видеть красоту в любом мотиве, а также сложнейшую живописную технику Вермер позаимствовал у своего великого предшественника Яна ван Эйка. А вот в области передачи интенсивного солнечного освещения и мощного звучания чистых пятен света Вермер был новатором.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669)
Автопортрет с Саскией на коленях
1635. Картинная галерея, Дрезден
Картина написана спустя год после женитьбы Рембрандта на Саскии ван Эйленбюрх. Художник чувствовал себя тогда баловнем судьбы. К тридцати годам он достиг славы, богатства, семейного счастья. Сын мельника, он женился на девушке из высших слоев общества. Поднимая бокал вина, Рембрандт приглашает зрителя принять участие в его празднике жизни. Подобное изображение нарушало тип голландского семейного портрета, который традиционно демонстрировал добропорядочность, скромность, бережливость.
Картина Рембрандта выглядит, напротив, иллюстрацией к перечню «смертных грехов»: беспечности, чревоугодию, расточительности. Тип композиции с изображением гуляки с женщиной на коленях восходит к изображению разгула блудного сына из евангельской притчи.
Даная
1636. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
«Даная» была задумана под впечатлением от картины Тициана на сюжет из древнегреческой легенды. Дочь царя Акрисия была заключена отцом в
Рембрандт написал первый вариант картины, очень близкий эталонному тициановскому воплощению этого сюжета, но позднее существенно переработал его. Вместо золотого дождя художник изобразил мощный поток света, предвещающий появление Зевса. В отличие от героини Тициана Даная совсем не похожа на античную статую. Рембрандт хотел, чтобы зритель видел не красоту, а страстный порыв: Даная протянула руку, то ли призывая Зевса, то ли защищаясь от него.
Большое внимание художник уделяет окружению Данаи – великолепным предметам, наполняющим ее темницу, украшению ее истинно царского ложа, охраняющим Данаю грифонам и плачущему Амуру, символу ее вынужденного целомудрия. Поражает красота самой живописи: мягкое мерцание золота, вспышка света на серебряных нитях, рубиновые переливы бархата. К краскам Рембрандт добавлял толченое стекло, благодаря чему красочный слой приобрел повышенную светоносность.
Возвращение блудного сына
Ок. 1668. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Картина была закончена Рембрандтом незадолго до смерти, хотя он начал работать над ней еще в 1636 году. Это произведение – подведение итогов его жизненной и творческой судьбы. Сюжет заимствован из евангельской притчи о блудном сыне, который, покинув дом отца, вел беспутную жизнь и промотал все свое богатство. И вот больным и нищим вернулся он в родной дом, где отец его принял и простил. Рембрандт изображает самый напряженный момент встречи отца и сына после мучительной и долгой разлуки. Поза сына, упавшего перед простившим его отцом, – поклонение величию доброты и милосердия. Мягкий теплый свет, который излучает лицо отца, озаряет лица тех, кто присутствует при этой сцене, и, как надеялся Рембрандт, лица зрителей. Эта картина – обобщающий образ человечества в его величии и его слабости. По своему масштабу, приподнятости образов над буднями жизни, значительности содержания она близка алтарной композиции на тему всепрощающей любви к страждущему человечеству.
Ночной дозор
1642. Рейксмузеум, Амстердам
Свое название картина получила в XIX веке. К этому времени краски холста потемнели, он был обрезан с четырех сторон. После реставрации в 1946–1947 годах стало ясно, что действие происходит при дневном свете.
Групповые портреты стрелковых гильдий появились в XVI веке во время войны за независимость страны. Позднее стрелки собирались вместе в случае нападения на город, а также для военной подготовки. «Ночной дозор» стал самым необычным среди подобных изображений. Создается впечатление, что стрелки собираются по внезапному сигналу: по-разному одетые и вооруженные люди двигаются из глубины картины, заполняя весь передний план. Это не регулярные войска, а ополчение. Вместо 18 заказчиков портрета художник изобразил 21 человека, присоединив к ним бегущего мальчика и двух девочек, тем самым демонстрируя общенародный характер события. Всех участников объединяет готовность к борьбе. На переднем плане выделена фигура капитана, отдающего приказ лейтенанту. Рембрандт преобразил групповой портрет в историческую картину, повествующую о героической поре в истории Голландии.
Жорж де Латур (1593–1652)
Шулер с бубновым тузом
1620–1630-е гг. Лувр, Париж
Творчество Жоржа де Латура, одного из самых загадочных мастеров европейской живописи XVII века, было забыто после его кончины и открыто заново только в 1940-е годы. В произведениях Латура ощущается интерес к искусству Караваджо в выборе сюжетов и обыгрывании эффектов искусственного освещения в так называемых «ночных сценах». Художник сурового эпического склада, Латур облагораживает самые низменные бытовые сюжеты, лишая их какой бы то ни было вульгарности.