Художественные течения конца XIX – середины ХХ века. 24 самых известных художника
Шрифт:
В 1906 году Кончаловский познакомился с Ильей Машковым, многолетняя дружба с которым взаимно обогащала художников в их стремлении освоить достижения современной живописи. После окончания Академии Кончаловский предпринимает поездки во Францию и Германию в 1907 – 1909 годах. За границей он испытывает влияние живописи постимпрессионистов: творчество Гогена, Ван Гога, Сезанна производят на него неизгладимое впечатление. В многочисленных поездках по Франции, Италии и творческом осмыслении наследия нового французского искусства и, прежде всего, Сезанна, рождается неповторимый, яркий и «дикий» стиль Петра Кончаловского.
В 1910
В 1910 – 1912 годах в работах Кончаловского вдруг появилась так называемая «подносно-черная» основа, которая присутствует не только в натюрмортах, но и в некоторых портретах, давая возможность еще полнее ощутить звучность красок. В это время были написаны натюрморт «Пиво и вобла» и натюрморты с цветами.
По-новому написаны итальянские пейзажи 1912 года – «Сиена», «Сан-Джиминиано». Здесь уже ощущается внутреннее движение, жизнь. Наиболее же напряженными, энергичными воспринимаются натюрморты с законченными примитивистскими решениями – написанные в 1912 – 1913 годах «Палитра и краски», «Печка», «Сухие краски».
В 1914 году Петр Кончаловский попал на фронт артиллерийским офицером и сражался против немцев.
Всю жизнь Кончаловский очень любил писать натюрморты. В 1916 году появился удивительный натюрморт «Агава», в 1939 – «Глухари», в 1946 – «Подсвечник и груши», в 1955 – «Клубника».
В 1920-е годы Кончаловский отходит от тенденций живописи «Бубнового валета». Его творчество становится более реалистичным. Петр Петрович выдвигается в ряд ведущих мастеров советской живописи. Картины Кончаловского этого периода наполнены поэтическим утверждением радости жизни: пейзажи проникнуты национально-романтическим настроением, натюрморты очаровывают богатством красок, изобилием живописных сил природы, портреты покоряют здоровой чувственностью, оптимизмом, однако в некоторых из них ощущается напряженный драматизм переживаемых событий. Портреты художника очень интересны – человек показан в мгновение особого вдохновения – это портреты Пушкина, Лермонтова, композитора Прокофьева, режиссера Мейерхольда. Одной из наиболее интересных работ художника в театре было оформление оперы А. Рубинштейна «Купец Калашников» для театра Зимина, где Кончаловский, увлеченный в это время примитивами, использовал стилизацию «под лубок».
Художественная деятельность Петра Кончаловского была отмечена Сталинской премией первой степени в 1943 году, мастер был награжден орденом Трудового Красного Знамени и медалями.
Петр Кончаловский оставил богатое творческое наследие. Картины художника в настоящее время продолжают оставаться объектом повышенного внимания. Роботы Кончаловского выполнены преимущественно карандашом, графитом и маслом. В живописи Кончаловский испытывал сильное влечение к Европе, прекрасно говорил по-французски. Также испытал влияние своего тестя, В.И. Сурикова, с которым впервые выезжал на этюды в Испанию, позже они работали по всей Европе. В раннем периоде художник стремился выразить праздничность цвета, свойственную русскому народному творчеству. Художник стал известен благодаря своим натюрмортам, часто исполненным в стиле, близком аналитическому кубизму и фовизму.
После революции Петр Петрович перешел к более реалистической манере, став одним из ведущих мастеров советской живописи. При помощи цвета художник стал передавать то, что называется «радостью, счастьем жизни». При этом во многих известных его работах буйство красок не может заслонить и драматизм (портрет В.Е. Мейерхольда), и комизм (портрет А.Н. Толстого) ситуации, времени и личности, участвующей в создании портрета. Портрет Мейерхольда Кончаловский писал, когда Всеволод Эмильевич уже лишился своего театра, а сам художник, будучи академиком в то время, не стал писать портрет И.В. Сталина, сославшись на то, что он «реалист» и не может делать портреты по фотографии.
Оставаясь независимым (насколько это было возможно в те времена), художник все свои работы представлял на суд супруги, Ольги Васильевны Суриковой – дочери Василия Сурикова, русского живописца, мастера масштабных исторических полотен. Если она говорила: «Не то», – то участь холста была предрешена – «под нож», или Петр Петрович использовал их под новые произведения, безжалостно загрунтовывая предыдущую работу. С внешним миром старался не конфликтовать, свои суждения высказывал обычно с большой долей иронии. Персональная выставка в СССР состоялась только после смерти Сталина.
Умер художник в Москве в 1956 году.
Картина «Сирень в корзине»
написана в 1933 году
Петр Кончаловский очень любил изображать цветы. Пожалуй, никто из русских живописцев не создал так много натюрмортов с изображением цветов, как он. Художник писал цветы так, что, кажется, они сохраняют не только свежесть красок, но и свой естественный аромат. Любимые цветы Кончаловского – сирень. Ей он посвятил множество своих полотен. Наиболее известные из них – «Сирень у окна», «Сирень». «Сирень в корзине» – одна из лучших картин Кончаловского, изображающих сирень.
Внешняя простота картины обманчива. Огромное количество цветов, вид их свежести, необыкновенная реалистичность – это лишь малая часть того, что можно сказать о работе. На картине есть и белый, и розовый, и темно-красный, и другие цвета. Такое ощущение, будто художник, рисуя каждый цвет, пытался придать ему какое-либо чувство.
Торжественно выглядит в середине букета высокая жемчужно-белая ветка. А как нарядна рядом нежно-розовая сирень, лиловая, фиолетовая. Сверху веером склонились тяжелые кисти темно-красные, голубоватые, жемчужные, бледно-лиловые сирени. Весь букет венком окружают изумрудные листья. Снизу они так хорошо освещены, что кажутся золотистыми, салатовые, нежно-зеленые.
Когда смотришь на эту прекрасную сирень, то как будто чувствуешь ее аромат. Кажется, чудесный, благоухающий запах наполняет всю комнату.
Кончаловский хотел показать в этой картине природу во всем ее великолепии на примере сирени. Об этом говорит то, что даже корзина, в которой стоят цветы, сделана из ивовых прутьев, то есть больше приближена к природе. Задний план картины выполнен в сером, коричневом и желтом цвете. Такой эффект придает работе еще большую яркость, выделяя на таком фоне цветы. Художник смог передать великолепный букет чувств и эмоций.