Искусство: язык Бога. От античности до авангарда
Шрифт:
Возрождение – это эпоха, когда человек доволен собой, очень творчески воодушевлен и создает много шедевров. Эта эпоха породила сверхгениев, которым до сих пор не было места на земле. Художник ощущал себя как свободно творящий человек. «Я создал тебя существом не небесным, но и не только земным, не смертным, но и не бессмертным, чтобы ты, чуждый стеснений, сам себе сделался творцом и сам выковал окончательно свой образ. Тебе дана возможность пасть до степени животного, но также и возможность подняться до степени существа богоподобного – исключительно благодаря твоей внутренней воле…» – так говорит Бог Адаму в трактате итальянского гуманиста Пико делла Мирандола «О достоинстве человека». Если средневековое творчество было анонимным, то есть художник считал, что он только кисть в руке Творца, то теперь художник, ставя свою подпись под холстом, гордится своим собственным творчеством. Имя художника приобретает необыкновенный вес, хотя он и осознает все-таки, что творческий дар дан ему Богом.
Однако свобода творчества влечет за собой субъективизм, пессимизм и муку, и это видно в зрелом искусстве самых известных и гениальных художников Возрождения. У Петрарки и у Боккаччо, поэтических гениев этого времени, наряду с гимном во славу человека слышатся нотки пессимизма и даже трагизма. У героев Микеланджело часто трагическое выражение лица. Откуда же трагизм? Все-таки нам легче, когда мы, как дети, держимся за руку Творца и осознаем свою от Него зависимость.
Золотой век в темные времена
Ренессанс стал детищем городской культуры, он родился и расцвел в Италии. Поэтому мы так много говорим о бесценном вкладе именно итальянских художников в общую историю искусства и так стремимся побывать в Италии и увидеть все своими глазами.
Ренессанс принято подразделять на три этапа. Первый период условно относится к XIII–XIV векам и называется Треченто или Предвозрождение. В этот период творили замечательные мастера, такие как Джотто, Симоне Мартини, Лоренцетти. Они еще сохраняли некоторую средневековую детскость и иконописный язык, хотя уже и нащупывали новый способ изображения традиционных сюжетов. В работах раннего Джотто хорошо видно, как, по сравнению с иконой, изменилось видение художника. Он пытается завоевать пространство, выйти из плоскости. Все действующие герои – на первом плане, а сверху изображается как бы реальный пейзаж. Персонажам тесно в таком пространстве, горы занимают слишком много места. Кстати, эти горы очень отличаются от иконописных: там горки реагировали на события, как живые существа, они взвивались, развивались, поднимались ступенями к небу, были очень легко написаны. А у Джотто горки окаменевают, это уже реальные итальянские скалы, тяжелые, неподвижные.
Следующий период относится к XV веку и называется Кватроченто или Ранний Ренессанс. Самые яркие имена в это время – Фра Беато Анджелико, Филиппо Липпи, Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческо. Эти художники открывают для себя заново прямую перспективу. Заново, потому что она была известна еще древним грекам, потом средневековые художники от нее отказались, а вот мастера Кватроченто ею невероятно увлеклись. Им хотелось передать Божий мир во всей его красоте. Мадонны Боттичелли прекрасны, как Венера, а Венера целомудренна, как Мадонна.
Конец XV – первая половина XVI века в истории искусств именуется Чинквеченто или Высокое Возрождение. Это время прославили такие титаны, как Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль Санти.
Этот недолгий век итальянского Возрождения пришелся на эпоху ожесточенной борьбы итальянских городов за независимость. Война была постоянным фоном жизни. В борьбе за власть соперники могли убить друг друга даже в храме. Все это создавало атмосферу неустойчивости, постоянной угрозы, опасности. И многие жители Италии, и великие художники в том числе, по сути дела оказывались беженцами – они все время вынуждены были покидать свои города, переселяться в другие, потом возвращаться… Леонардо да Винчи, например, пришлось покинуть свою любимую Флоренцию; умер он во Франции, при дворе Франциска I.
Великие художники Возрождения очень страдали, тосковали, но тем не менее их воодушевляло сильное ощущение собственной значимости, их утешением было творчество.
Удивительно, что этот золотой век итальянского искусства расцвел в самую темную историческую эпоху, когда все воевали со всеми, и даже Церковь была втянута в эту войну. Как ни странно, вот такой парадокс. Что же получилось у титанов Возрождения?
Вселенная Леонардо
Начнем с самого блистательного среди них – Леонардо да Винчи (1452–1519). Это поистине титан не только той эпохи, но всех времен и народов.
Как истинный художник Ренессанса, Леонардо да Винчи осознает себя творцом, создающим свою собственную вселенную, и даже сама его жизнь есть произведение искусства. Художники Возрождения не просто жили – они еще творили из своей жизни легенду. Теоретик искусства Бенедетто Кроче пишет о трактатах Леонардо: «В них нет философии искусства – это биография Леонардо. В своих правилах, в своих рецептах и в своих советах книга дает историю воспитания Леонардо. В ней указываются художественные видения его, описано, чем он восхищался, что ненавидел, как он воспитывал себя и какое направление сознательно придавал своей деятельности».
Все творчество Леонардо проникнуто гипертрофированным индивидуализмом, это проявлялось во всем, не только в живописи. И при этом во всем, что создал Леонардо, чувствуется рука гения. Вот, например, его «Мадонна Литта» (1491) – это совершенная живопись. Прекрасная Мадонна и Младенец – пухленький, объемный, совершенно написанный ребенок. Это два чудесных земных персонажа, к которым даже трудно предъявлять какие-то духовные претензии – так они хороши сами по себе. Но вместе с тем они не потеряли и своей духовности.
Знаменитая «Дама с горностаем» (1489–1490) современниками Леонардо рассматривалась как некая пародия на Богородицу, потому что прекрасная женщина с кем-то на руках ассоциировалась только с Ней. А здесь вместо Младенца – хищный зверек. Конечно, можно сказать, что «Дама с горностаем» – это просто портрет, коих тогда писалось множество. Однако, сознательно или нет (думаю, что все же сознательно), Леонардо заигрывал, экспериментировал с такими вещами, пародировал, как бы испытывая судьбу. Это подтверждается и другими произведениями, в которых тоже прочитывается что-то на грани святотатства. Вот, например, «Иоанн Креститель» (1514–1516). Разве похож он на аскета, на пророка, который жил в пустыне, питался акридами и диким медом и призывал всех покаяться? Никогда! Скорее это такой холеный фавн. Посмотрите на этот жест, на полуулыбку – это улыбка типично леонардовская, почти все его персонажи ею отличаются. Не любовь, не радость в этой улыбке. Это выражение превосходства, иронии, даже, пожалуй, сарказма. И палец, указующий на небо… Иоанн, правда, держит крест, но его почти не видно, тонкий крест тонет в темноте, а видим мы только этот палец и странную мимику. Что Леонардо хотел передать? Это очень двусмысленная картина.
Вершиной художественного творчества Леонардо можно считать фреску «Тайная Вечеря» (1495–1497). Она написана для церкви Санта-Мария делла Грацие в Милане. Изображение находится на стене трапезной и иллюзорно как бы является продолжением этого помещения. Здесь нет никаких внешних эффектов. Христос с учениками сидят за столом, но автора не интересует ни Он сам, ни таинство Евхаристии (а Тайная Вечеря – не что иное, как таинство Евхаристии), которое в этот момент происходит. Автора волнует только человеческая психология, чисто детективный сюжет: кто же предатель? Персонажи поделены на группы по три человека, и каждая группа только это и обсуждает.